La luz y la expresión del movimiento en la pintura: de Boccioni a Hooper
Las primeras décadas del siglo XX estuvieron marcadas por una gran variedad de movimientos pictóricos surgidos a partir del “Manifiesto futurista” de Marinetti. Marcados por las dos guerras mundiales, los diferentes estilos fusionaron experimentación y avances tecnológicos para conseguir unas creaciones que acabarían dando lugar al espacio tridimensional o, dicho de otra forma, la luz saldría del cuadro para acercarse al espectador.
El 20 de febrero de 1909 se publicaba en el diario Le Figaro de París el “Manifiesto futurista” del poeta Tommaso Marinetti que proclama con gran violencia la necesidad de un nuevo lenguaje artístico: la destrucción de los museos, bibliotecas y ciudades convertidas en mausoleos del pasado. En otras palabras, Marinetti abogaba por la estética de la nueva era, la de la velocidad y de la máquina.
El año siguiente, en 1910, los pintores Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini proclamaban su propio manifiesto futurista y, durante ese mismo año, el manifiesto técnico de los futuristas publicó un programa en defensa de la poética del dinamismo en el arte. Se produjo el rechazo a la imitación exaltada de cualquier forma de originalidad y el divisionismo fue el punto de partida para llegar a la expresión de la visión simultánea y del movimiento. Para ello, adoptaraon los principios cubistas de descomposición de la realidad en planos superpuestos yel objeto se desdoblaría y multiplicaría en una repetida combinación de imágenes que no distinguirían entre él y su entorno.
La primera etapa del futurismo, alrededor de los manifiestos de 1909 a 1912 y “La esposizione de arte libera” de 1910 en Milán, fueron cruciales y se prolongarían hasta la muerte de Boccioni en 1916. Sus aportaciones fueron claves para la obra de individualidades como Henry Moore, Aleksandr Archipenko o Naum Gabo y, en general, para la evolución de la escultura contemporánea. Tuvo una gran influencia en el Vorticismo, el Cubofuturismo, el Rayonismo yen algunos miembros de Der Blaue Reiter.
Experimentación plástica: luz artificial en movimiento
A partir de 1916, Marinetti y Giacomo Balla lideraban un grupo de jóvenes que representaba la única alternativa al nuevo clasicismo, iniciando una nueva etapa de menor relevancia que la anterior.
El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que reveló la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina. En la obra “Speeding car + light” de 1913 de Giacomo Balla, el movimiento, el desplazamiento y la luz se expresan como fotogramas de una película. La luz forma parte del vehículo como las ruedas o el chasis, se define como una mancha brillante de color blanco que se desplaza siguiendo la dirección del vehículo. La luz sin significación propia es materializada y retenida en una imagen secuencial.
Un tratamiento similar se da en la obra titulada “Lamparco” de 1910 de Boccioni, -pictóricamente, su procedencia es postimpresionista, derivada del divisionismo y del puntillismo, evolucionando hacia la fragmentación cubista-, donde centrará su trabajo experimental en la representación de la luz artificial producida por un farol. Se expresará como una secuencia de flechas iridiscentes procedentes de la lámpara, paradas en una aureola que lo rodea y la retiene.
Los impresionistas querían representar las sensaciones instantáneas de la luz, la variación de sus sensaciones perceptivas en diferentes “momentos lumínicos” , no con un sentido de continuidad sino de instantaneidad. Un ejemplo son los estudios de las series pictóricas como instantáneas o fotogramas de un momento visual, sin asociarlos a la continuidad temporal del fotograma de una película, mientras que los futuristas intentaron retener el concepto de movimiento real en un fotograma único e instantáneo.
Cabe decir que, a pesar de querer atribuirse el mérito de ser los precursores de la r epresentación del movimiento en el arte, hay que recordar antecedentes muy anteriores como los grabados egipcios de Abu Simbel, fechados entre 1284 y 1264 AC, donde se representó la velocidad en la figura de Ramsés III tirando flechas con la repetición de los arcos y brazos y la velocidad de los caballos que tiraban de su carruaje con multiplicidad de patas.
Preocupación exagerada por el movimiento
Para Boccioni, la luz es un tema pictórico más de su obra, es un objeto material a representar, que se puede definir en el marco de su movimiento artístico. En su obra “Café Campari” plasma el movimiento de la gente jugando sutilmente con la difuminación de las figuras, como si fueran captadas por fotogramas movidos. Las luces artificiales llenan la atmósfera con tonos amarillentos y las sombras ayudan a reforzar su direccionalidad. Esta combinación de movimiento de los personajes con el movimiento energético de la luz, ensayada en la obra “Lamparco”, dan fuerza a esta expresión cinética.
Esta mezcla de movimientos, llevada al extremo, también la encontramos en el cuadro “Viviendo el teatro” de Carlo Carrà. En esta obra las figuras del primer plano parecen estar constituidas de luz en lugar de materia, aparecen como masas corpóreas de luz. Esta representación diluye las figuras con el entorno y anula las sombras de los cuerpos que parecen fotones luminosos moviéndose en el espacio.
El futurismo influirá decisivamente en la aparición del Dadaísmo y del arte cinético. Su preocupación exagerada por el movimiento, por las nuevas formas de energía y por los objetos cotidianos dará lugar a nuevas formas de expresión artística donde los objetos luminosos tendrán un papel relevante. La búsqueda de la realidad llevará a la incorporación de objetos lumínicos en la obra de arte.
Bauhaus: arte y producción de luminarias
En la Bauhaus, fundada en Weimar en 1919 por Walter Gropius, participaraon los principales artistas del momento. Su enseñanza se basó en la formación práctica organizada en torno a diferentes talleres (escultura; pintura; carpintería; teatro; vidrieras; fotografía; cerámica; tipografía; publicidad; tapicería; arquitectur;, metal y grabado) que desarrollaron su experimentación dirigida a una producción seriada que representará el inicio del diseño industrial actual.
A mediados de los años 20 la escuela acogió todas las tendencias del momento a través de la presencia en las aulas de artistas como P. Mondrian; Theo Van Doesbourg; J.P. Oud; K Schwitters; Tzara, Hausman; Arp; Marinetti; A. Gleizes y Laszló Moholy-Nagy.
Aparte de la realización de objetos de cerámica, metales como jarrones, juegos de café y candelabros, se introdujo en el taller una nueva orientación: la producción de lámparas. El taller de metal desarrolló una producción industrial de diferentes lámparas como las conocidas lámparas de Karl J. Jucker y Wilheim Wagenfeld.
Laszló Moholy-Nagy realizó en 1930 “modulador-luz-espacio” considerado como la primera escultura luminosa cinética. Se trataba de un objeto complejo formado por elementos de metal, plástico y vidrio, móviles por la acción de un motor eléctrico y rodeado de luces de colores. Con él, Moholy-Nagy producía espectáculos de luz que fotografiaba o filmaba.
También realizó iluminaciones para las escenografías de obras de teatro como “Madamme Buterfly” en Berlín, estudiando los efectos de las luces y las sombras. Su interés por la fotografía se hizo evidente en las fotografías donde exploró los efectos de la luz, las impresiones de las luces a través de diferentes soportes, siguiendo la línea iniciada por Man Ray, años antes.
Después del “crack” bursátil de 1929, EE UU se sumergió en una gran depresión que llevó a artistas como Edward Hopper areflejar la desolación del paisaje urbano, de la incomunicación y la soledad. Sus obras condensaron aspectos pictóricos como la luz y el color, que la alejaron de la pura y simple caricatura.
La luz de Hopper es estática, reducida a una expresión instantánea, a un flash temporal, se detiene en el tiempo carente de movimiento y continuidad. ¿Cómo es posible que Hopper diese a la luz esta carga de estatismo emocional, tan diferente de las obras futuristas de Carrà y Boccioni o de los expresionistas alemanes como Vullard? Por no hablar de los efectos vibrantes del postimpresionismo y del rayonismo.
Hopper conviertió la luz en color denso, en una losa de color pesada que congelaba el movimiento y el tiempo... ¿Cómo jugaba con la transparencia? ¿Cómo analizaba los reflejos? Utilizaba una luz difusa, como ejemplo de la iluminación más generalizada, que no reforzara la singularidad de los elementos del espacio y negara las características que diferenciaban las cosas y las personas.
Una luz localizada podría establecer elementos de singularidad dentro del cuadro estableciendo un valor diferenciador, cosa que no interesaba a Hopper, que quería un espacio uniforme, sin discriminaciones ni acentos singulares, que potenciaba de este modo la soledad y la homogeneidad anímica de los personajes.
En 1929 se creó el Museo de Arte Moderno de Nueva York y, en 1935, el Whitney Museum presentó una excelente muestra de arte abstracto estadounidense. Un año después se formaraía el grupo de artistas abstractos americanos. Esta nueva dinámica se completó con la llegada a los Estados Unidos de muchos artistas y arquitectos representativos de las vanguardias europeas, que huyeron de sus países debido al régimen nazi y al estallido de la segunda guerra mundial. Tras la finalización de la cual se produjo la aparición de los movimientos Pop Art, que llevarían al inicio del Light Art como disciplina artística en la que la luz ya abandona definitivamente el lienzo pictórico y se expresa en sí misma como arte.
